Il y a un tas de foires auxquelles vous pouvez assister à Londres ce mois-ci. Si vous voulez améliorer votre garde-robe et vous intéresser aux dernières nouveautés en matière de conception de vêtements, il y a la London Fashion Week vers la fin du mois. Si vous souhaitez acheter des armes, engager votre propre milice privée ou mettre en place une surveillance, vous pourrez assister à la Defence and Security Equipment International Arms Fair la semaine prochaine. Et si vous voulez savoir ce qui se passe dans le monde de la photographie, il y a Photo London qui se déroule en ce moment.
Ces salons ont tous une forte composante photographique, et j’aurais bien aimé assister aux trois. Mais les choses étant ce qu’elles sont, j’ai choisi Photo London. Il est bon de rappeler que certaines personnes assistent aux trois événements. Le shopping, c’est le shopping après tout.
Et c’est bien de cela qu’il s’agit à Photo Londres : du shopping. C’est un grand marché de vente au détail d’images de toutes sortes, un marché où l’art et le commerce se frottent l’un à l’autre, souvent de manière malheureuse, où la passion rencontre la prétention, où la profondeur de la photographie dans un stand regarde la superficialité dans un autre.
C’est un endroit où vous pouvez vivre votre relation amour-haine avec les images dans un cadre londonien où l’argent, la classe et la consommation ostentatoire sont exposés partout. C’est un endroit où l’on peut s’efforcer de comprendre ce que vend la photographie, à qui elle se vend, combien elle se vend et pourquoi elle se vend à ce prix ; personne ne sait vraiment quelle est la solution à cette énigme, sauf que l’argent attire l’argent.
Cette année, cependant, Photo London a ressemblé au premier véritable événement photographique au Royaume-Uni depuis l’arrivée de Covid. C’est un endroit où l’on peut voir des œuvres en vrai, où l’on peut rencontrer des gens du monde de l’art, de la photographie et de l’édition, où l’on peut voir comment les œuvres sont montées, encadrées, accrochées.
C’est une foire pour tous les goûts, à commencer par les expositions phares de Shirin Neshat et Robert Capa. Il y a des travaux que je déteste absolument, qui résument tout ce qui est mauvais dans la photographie, l’art et les galeries ; des travaux réalisés par de riches photographes pour de riches clients et vendus par de riches galeristes. La surface de ces images dégouline de l’inutilité de tout cela.
Mais il y a aussi des images qui existent dans ce même firmament, mais qui se glorifient de leur caractère inutile et qui sont géniales. Pour 68 000 £, vous pouvez obtenir un tirage massif de Miley Cyrus par David La Chapelle que, dans un autre univers, avec un autre compte bancaire et une autre personnalité, j’aimerais vraiment posséder.
Dans certains endroits, les photographies sont enfermées dans des combinaisons de support, cadre et verre à 3 000 £. L’encadrement est un fétiche, et il obscurcit votre jugement. Vous achetez essentiellement un meuble, le genre de meuble qui ne dépareillerait pas dans une salle de réunion ou un hall d’hôtel. Dans d’autres endroits, l’approche des images est plus fonctionnelle. À la Galerie Prints, les brillantes photographies de Terry O’Neil et Brian Duffy sont vendues par 25, 50 ou 150 exemplaires. Vous pouvez décorer vos murs comme un adolescent en pleine crise de la quarantaine avec des photos de Kate Moss, Frank Sinatra ou The Jam. La sélection s’inspire des salons d’art du XIXe siècle, où les images sont empilées les unes sur les autres. Mais là encore, dans mon univers parallèle, je me procurerais Sinatra on the Boardwalk, j’achèterais un tirage Duffy Aladdin Sane à 12 000 £ ou (dans un autre stand) un strip Kevin Cummins Ian Curtis.
Si vous pouviez obtenir une feuille de calcul révélant combien les différentes galeries gagnent, je suppose que ce sont les images de ce type qui ont le flux de revenus le plus régulier. Ces images et les merveilleuses images qui ont façonné l’histoire de la photographie : le pictorialisme de Steichen, la fabuleuse “An American Girl in Italy” de Ruth Orkin (environ 20 000 £), les deux enfants de Stephen Shame avec des cigarettes dans les narines, ou les photos de studio prises après l’indépendance par Malick Sidibe, Abdourrahmane Sakaly ou Adama Kouyaté.
Parcourir ce spectre de l’histoire de la photographie est l’un des grands plaisirs des grandes foires de la photographie. Mais le plus grand plaisir est de voir de nouvelles œuvres qui relient et réinventent des thèmes évidents dans les grands du passé. Ainsi, les images d’artistes tels que Hassan Hajjaj, Thandiwe Muriu Alia Ali, avec leur riche utilisation de la couleur, de la matière et de la toile de fond, sont directement liées à cette histoire.
Le papier peint occupe une place importante à Photo Londres, en particulier dans l’installation Nude Pepper de Loreal Prystaj, qui établit un lien très intelligent avec Edward Weston et ses nus – et ses poivrons. D’où le titre. De même, les paysages alimentaires vulvaires et les portraits sculpturaux de Charlotte Abramow renvoient à de nombreux photographes féministes des années 1960 et 1970.
Une grande partie du travail le plus intéressant de Photo London se trouve dans la section Découverte. C’est là que l’on trouve les photographes les moins chers, dont l’approche et l’expérimentation sont d’une grande fraîcheur.
Certains travaux traitent de processus historiques, de la nature matérielle du film et du papier, et jouent avec les dimensions. Les créations de paysages de Dafna Talnor (à partir d’un peu plus de 1 000 livres sterling pour les plus petits, les cartes postales étant gratuites), réalisées à partir de morceaux de films découpés, sont construites en tirages de type C merveilleusement présentés. Ici, la physicalité de l’œuvre est aplatie sur de l’aluminium (peut-être) et est renforcée par des diptyques merveilleusement conservés.
En retravaillant des images d’archives des Alpes suisses, Doulgas Mandy place également la matière et le processus au cœur de sa pratique, cette fois dans des images lithographiques imprimées sur les géotextiles qui sont posés sur les glaciers pour les protéger (inefficacement) du réchauffement climatique.
D’autres photographes jouent avec les dimensions d’une autre manière. Au très instructif Black Box Projects, vous pouvez voir les photos uniques de Chris McGraw sur les coups de soleil. Réalisées avec de très longues expositions sur d’immenses caméras de qualité militaire, elles suivent le soleil dans ses déplacements dans le ciel. Ces images uniques (dont le coût avoisine les 12 000 £) sont montées au-dessus de la plinthe, donnant un effet presque sculptural lorsque vous regardez à travers le papier photographique brûlé. C’était sans doute mon stand préféré, avec les tirages à la camera obscura de Brendan Barry représentant des fleurs face à des cynanotypes, des photogrammes et les tintypes de surf de Joni Sternbach.
Dans tous ces exemples, le défaut est une partie essentielle de l’œuvre. Vous pouvez voir les joints, vous pouvez voir les bords, vous pouvez voir où les coupures n’ont pas été faites par un laser, mais par une vraie main tenant un vrai couteau. Cela se voit également dans les collages uniques de Kensuke Koike. Ses réorganisations de photographies trouvées sont merveilleuses à voir de près, avec de petits fragments de papier sortant des bords. C’est une leçon qui montre à quel point la photographie peut être captivante et inventive.
Mais comme il s’agit de Photo London, il n’y a pas que le plaisir qui compte. Vous avez besoin d’un peu d’aigre pour aller avec le sucré. Vous pouvez vous délecter d’images autant que vous le souhaitez, mais quels que soient vos goûts, vous aurez aussi quelque chose à redire. Tout le monde le fait à Photo Londres. C’est toujours ainsi. Mais vous pourrez vous plaindre en public, dans la vraie vie, avec des gens que vous connaissez ou que vous n’avez jamais rencontrés auparavant. Et une fois que vous aurez fait cela, vous pourrez vous laisser envahir par le plaisir d’être en ville, dans un salon, à regarder des photos. C’est étrange, c’est épuisant, c’est trop, mais c’est merveilleux.
Par Colin Pantall
Colin Pantall est un écrivain, photographe et conférencier basé à Bath, en Angleterre. Sa photographie traite de l’enfance et des mythologies de l’identité familiale.
