Dans les salles du Metropolitan Museum of Art de New York, une exposition révolutionne notre regard sur les débuts de l’histoire visuelle américaine. « The New Art: American Photography, 1839-1910 » est une collection de photographies anciennes. Elle propose une nouvelle approche du rôle de la photographie dans la perception qu’ont les Américains d’eux-mêmes, mettant en scène des artistes aussi bien connus que inconnus.
« Il y a environ 185 ans, un événement remarquable s’est produit. C’était une sorte d’événement céleste qui a changé le monde tel que nous le connaissons. C’était l’invention d’un nouveau médium. Nous l’avons appelé la photographie », explique Jeff Rosenheim, conservateur en charge des photographies au Met, qui a rassemblé cette remarquable collection.
L’exposition est entièrement réalisée à partir de la collection William L. Schaeffer du Met, offerte par Jennifer et Philip Maritz. Elle présente 70 ans de photographie et témoigne de l’ampleur des changements intervenus au cours de cette période. Plutôt que de se concentrer uniquement sur des photographes célèbres, Rosenheim a choisi de raconter « une histoire de la photographie américaine de A à Z », en s’intéressant à des photographes moins connus.
En voyageant dans le temps, la première partie de la galerie nous ramène aux années 1842-1845, époque à laquelle certaines des premières photographies sont des daguerréotypes, des plaques d’argent brillantes qui, tels des miroirs, capturent un instant précis. Ces daguerréotypes, réalisés sur cuivre argenté, comptent alors parmi les premières images permettant de se voir et de se souvenir de ses proches.
« Il n’y a pas de négatif. Ce n’est pas tiré. C’est la plaque qui se trouvait dans l’appareil photo, dans le studio du photographe, avec le sujet, que l’on regarde », explique Rosenheim. « Ainsi, le souffle du photographe et celui du modèle se combinent à l’image argentique sur la plaque… »
Dans l’audioguide, la spécialiste Lucy Sante explique l’importance de ces images à l’époque. Elles ne capturent pas seulement l’apparence d’une personne, elles sont aussi d’une beauté étrange et envoûtante.
L’exposition suscite d’emblée une émotion particulière, montrant comment les gens s’accrochent au souvenir de leurs proches disparus. Pour beaucoup, c’est la première fois qu’ils peuvent garder au creux de leur main une photo d’un être cher. Comme le dit Sante : « Il était urgent de préserver les visages des disparus, car beaucoup de personnes photographiées après leur mort ne l’avaient jamais été de leur vivant… La photographie évoque toujours la mort. Chaque scène qu’elle immortalise est impossible à reproduire de son vivant… »
Au cours des années 1870 et 1880, grâce aux progrès technologiques, la photographie devient plus accessible. Les ferrotypes et les ambrotypes sont ainsi des formes de photographie moins coûteuses, incitant davantage de personnes à s’y essayer.
« Les premiers photographes étaient à la fois des artistes, des marchands et des vendeurs de toniques », explique Rosenheim. « Ils parcouraient le pays, partaient pour des destinations inconnues et installaient leurs studios. Ils participaient à une nouvelle ère de créateurs d’images, à une nouvelle culture de producteurs d’images, et étaient des membres appréciés des communautés qu’ils servaient. »
Les ferrotypes deviennent très populaires, et les gens adorent prendre des photos entre amis, comme tout le monde aujourd’hui. C’est une activité amusante et décontractée, souvent pratiquée en profitant de la journée. « Et c’est vraiment intéressant, car après la guerre de Sécession, qui a été si meurtrière pour tant de personnes, les gens avaient besoin d’un sentiment de soulagement. Et cette touche ludique imprègne les formes visuelles de l’époque. Et je pense que nous pouvons le constater dans cette image. »
Pour le plaisir, certains ferrotypes ont été dessinés pour ajouter une touche ludique ou farfelue, comme donner à quelqu’un un corps de dessin animé avec un chapeau haut-de-forme, tout en conservant son vrai visage. Ce dernier est également visible dans l’exposition.
La photographie devient ensuite un moyen pour chacun d’exprimer sa place dans la société. Des familles posent devant leur maison avec leurs chiens, leurs enfants et leurs biens les plus précieux. « Ces personnes peuvent revendiquer un espace… et en sont fières », explique Makeda Best, historienne de la photographie et directrice adjointe des affaires de conservation au Musée d’Oakland de Californie.
C’est particulièrement le cas pour les Afro-Américains après la guerre de Sécession. Prenons cette photo d’une femme noire âgée tenant une Bible. « Elle a des mains colorées sur sa broche au cou. Cela montre qu’elle possède des bijoux », explique Best. « On pourrait penser, à cette époque, à son intérêt pour la création d’une image d’elle-même, à ce que cela signifiait pour elle de participer à la création d’une image d’elle-même grâce à ce nouveau médium qu’est la photographie. »
Outre les portraits, l’exposition met également en lumière la manière dont la photographie permet d’immortaliser la nature et les paysages. Celle du photographe John Moran, l’un des rares noms reconnus, présente des images de paysages, « les prémices d’une sorte d’art photographique, par opposition à l’expression purement documentaire », selon Rosenheim. Ces photos montrent la nature telle qu’elle apparaît réellement.
Aussi, les images stéréoscopiques offrent aux gens un divertissement en 3D à la maison, tandis que les portraits d’Amérindiens, comme le chef Irataba de la nation Mojave, nous aident à comprendre l’identité et la façon dont les gens sont représentés.
Wendy Red Star, photographe et artiste, déclare : « Chaque fois qu’un Autochtone pose pour une photo, c’est en fait un cadeau, car une grande partie de ce qui est arrivé aux Autochtones a été un changement épique… c’est un document qui aide à se souvenir, en particulier pour les générations futures. »
Outre ces portraits et paysages saisissants, l’exposition met également en lumière les techniques créatives utilisées par les artistes pour créer des images innovantes. Parmi elles, les expériences d’Anna K. Weaver, qui a réalisé un photogramme exprimant le mot « Bienvenue » à partir de plantes disposées sur du papier photo. « Une façon totalement unique et originale d’utiliser cette technologie », explique l’artiste Wendy Red Star. Weaver est l’une des rares femmes artistes citées dans l’exposition.
On y trouve encore des cyanotypes : des feuilles de papier bleu vif sur lesquelles sont imprimées des images parfaitement reproduites. Ce papier est connu pour être recouvert d’un mélange contenant du fer. Lorsque la lumière frappe le fer, celui-ci réagit et produit une couleur bleue appelée bleu de Prusse. Ces images uniques ne sont qu’un exemple des nombreuses techniques présentées dans l’exposition.
Jusqu’en juillet 2025, « Le nouvel art : la photographie américaine, 1839-1910 » continue de nous rappeler qu’un des pouvoirs de la photographie est bien celui du souvenir. Comme le dit Rosenheim: « lorsque ces images inédites sont vues par le public, quelqu’un nous contacte et nous révèle qui sont ces personnes ». C’est là tout l’intérêt de montrer ces images : lorsque le monde les voit, il les transmet.
« The New Art: American Photography, 1839-1910 » est exposé au Metropolitan Museum de New York jusqu’au 20 juillet 2025.
