Cet été, deux expositions sont consacrées à la photographe américaine Annie Leibovitz. La première, au Mint Museum de Charlotte (Caroline du Nord, États-Unis), présente un mélange captivant de photographies inédites et rarement exposées, ainsi que des portraits qui figurent parmi les plus emblématiques de la culture américaine. Les images de Leibovitz présentent ainsi un panel d’artistes, de musiciens, d’hommes politiques, d’athlètes et d’autres personnalités influentes, dans un double format plutôt plaisant, avec des tirages sur papier complétés par des photographies en affichages numériques. À travers ses premières œuvres en noir et blanc à ses portraits conceptuels picturaux plus récents, l’exposition célèbre ses 50 ans de carrière et met en lumière l’étendue de sa créativité.
La deuxième exposition se déroule à la galerie Hauser & Wirt de Monaco et présente un ensemble d’œuvres – paysages, natures mortes et portraits – réalisées par l’artiste au cours des deux dernières décennies. Ces images racontent des histoires façonnées par le temps. Mais certaines photographies – la colline rouge de Georgia O’Keeffe, le portrait de Joan Didion à Central Park – évoquent des photographies d’autres lieux, d’autres époques. Elles ne sont pas ancrées dans le moment de leur création.
A l’occasion de ces deux événements, Blind publie une interview d’Annie Leibovitz, récemment retrouvée et au ton très spontané, réalisée en 1984 par le journaliste Tod Mesirow pour la filiale locale de la chaîne CBS à Washington, et un magazine hebdomadaire appelé Capital Edition.
Tod Mesirow : Les gens sont-ils nerveux à l’idée d’être photographiés par vous, maintenant que vous êtes si connue ?
Annie Leibovitz : Ils peuvent être nerveux au début, mais une fois qu’on commence à travailler, cela disparaît. C’est comme tout : avant de commencer quelque chose, on peut ressentir une certaine anxiété. Mais ces derniers temps, tout se passe très bien. Une fois le processus lancé, il n’y a vraiment plus de quoi s’inquiéter.
Donc, une fois la séance commencée, les participants se détendent parce qu’ils sont impliqués. Ou est-ce plutôt vous qui les mettez à l’aise ?
Je pense que c’est un peu des deux. Nous sommes tous des êtres humains. Je les aide peut-être à se détendre, mais c’est surtout la nature même du travail qui s’en charge. On travaille aux photographies suffisamment longtemps, et ils finissent par se fatiguer et se détendre naturellement.
Donc vous les « décomposez » en quelque sorte ?
Je ne dirais pas que je les décompose. Dernièrement, j’ai eu d’excellentes relations de travail. Par exemple, j’ai photographié Diane Keaton pour la couverture de Vanity Fair de février (1985). Elle m’a même sollicité, donc je savais que tout se passerait bien. Nous nous sommes rencontrées avant et avons partagé nos idées – j’adore travailler comme cela. Elle a même dressé une liste de concepts, et j’avais la mienne. Curieusement, elle avait pris des photos de chambres d’hôtel vides, et sur ces images, elle semblait se cacher, en bordure du cadre. Lors de notre rencontre, le premier mot sur sa liste était « se cacher ». C’est exactement ce que j’avais vu dans ses photos. La séance photo a donc consisté à résoudre ce problème de manière créative. Personne n’avait le temps de s’inquiéter – c’était très collaboratif et réfléchi.
En quoi cette approche est-elle différente de vos précédentes, comme lorsque vous avez photographié les Rolling Stones ?
Ce n’est pas complètement différent, mais je suis beaucoup plus ouvert à l’idée de réfléchir avec la personne qui est photographiée. C’est plus comme du théâtre bien rodé. Dans les années 1970, j’avais des idées que je lançais aux gens à la dernière minute, car je craignais qu’ils refusent si je leur laissais le temps de réfléchir. Par exemple, une fois, Arnold Schwarzenegger a surpris Dolly Parton en studio d’enregistrement. Si je le lui avais dit la veille qu’il viendrait, elle aurait probablement été mal à l’aise – il n’était pas très connu à l’époque. Mais il est arrivé et l’a charmée, et ça a marché.
Sa première réaction face à Arnold a-t-elle été de lui dire : « Non merci » ?
Elle hésitait. Je lui avais parlé au téléphone, et elle avait répondu : « Eh bien, je ne sais pas. » Aujourd’hui, je me sens plus à l’aise pour travailler avec ces gens, planifier des choses avec eux. Je reviens tout juste d’un shooting avec Jerry Hall à Rio pour la couverture de Vanity Fair de mars (1985). Elle vient de sortir ses mémoires, Tall Tales, et Vanity Fair a acheté les droits de sérialisation. Il était donc logique qu’elle choisisse quelque chose de vraiment original pour la couverture. Nous avons discuté et réfléchi ensemble à cette couverture.
Préférez-vous cette méthode collaborative plutôt que de surprendre les gens avec des hommes musclés ?
(Rires) C’est différent, mais j’aime cette méthode maintenant. Je n’ai pas l’impression d’y perdre quoi que ce soit ; au contraire, j’y gagne peut-être davantage. Plus le plan est bon, plus il y a de place pour la spontanéité et les surprises.
Vous sentez-vous plus à l’aise pour reconnaître ces moments spontanés lorsqu’ils se produisent ?
Peut-être. Je pense que l’expérience joue un rôle important : après 15 ans de pratique, je suis devenu meilleure pour saisir ces instants.
Quel a été votre shooting le plus amusant jusqu’à présent ?
Celui avec Jerry Hall est vraiment spécial. Il y a quelques années, j’aurais peut-être été gênée. C’est une vraie pro, et j’ai eu du mal à suivre. Avant, je me demandais si c’était de l’art, mais maintenant, j’apprécie l’expérience. C’est le rêve de tout photographe : elle est captivante sans effort. Travailler avec quelqu’un qui aime être photographié, c’est incroyable. J’ai eu l’impression de ne même pas travailler. Je la photographierais pendant les six prochains mois si je le pouvais.
Oublier tout le monde, trouver simplement plus de gens comme elle ?
Passer quelques jours avec Jerry Hall n’est pas la même chose que travailler avec quelqu’un comme Robert Penn Warren (écrivain américain, éditeur de la revue littéraire The Southern Review). Mais les deux sont valables, et j’ai appris à les apprécier. Chaque séance a sa propre valeur, pour des raisons différentes.
Donc même si le processus est différent, chaque photo a son propre mérite ?
Oui. J’ai accepté d’être photographe portraitiste, et mon métier consiste à travailler avec des gens de tous horizons. C’est pourquoi j’aime travailler avec Vanity Fair : cela élargit les possibilités. Il n’y a pas de limite.
Certains disent que vous êtes devenue une « yuppie ». Comment est-ce de passer de l’image hippie du magazine Rolling Stone à celle de Vanity Fair ?
Honnêtement, je pense que Rolling Stone est plus « yuppie » aujourd’hui qu’avant. C’est un magazine bien établi et ancré dans ses habitudes. Après 13 ans là-bas, j’ai voulu me concentrer davantage sur ma photographie, et pas seulement répondre aux besoins de Rolling Stone. J’aime beaucoup découvrir ce que Vanity Fair est en train de devenir. Tina Brown, la rédactrice en chef, apporte une énergie incroyable ; elle veut que le magazine soit vivant. Ce sentiment d’outsider me donne vraiment de l’énergie. Le magazine a connu un lancement très médiatisé, mais après que les gens l’aient laissé tomber, nous avons enfin eu la liberté de nous exprimer et de trouver notre voix. Je pense que vous serez surpris par ce qui nous attend.
Tina a l’air cool. Est-ce agréable de travailler avec elle ?
Elle est géniale. Elle dit « oui » à tout. Si je lui propose de traverser le pays en voiture pour en saisir l’atmosphère, elle me répond : « Fonce ! » Ma première année chez Vanity Fair a été calme ; ils ne m’ont pas beaucoup sollicitée. Mais j’avais besoin de ce break après 13 ans sans vacances.
La liberté créative est donc importante pour vous ?
Absolument. Jann Wenner, chez Rolling Stone, avait un style différent, plus réservé. J’y ai développé mon style, mais je n’ai jamais été sûr qu’il l’appréciait. Maintenant, je travaille avec des gens qui me le disent, et je préfère ça à ce vieux couple, à cette relation amour-haine.
Vous ne vous êtes pas senti pleinement reconnue chez Rolling Stone ?
Jann avait sa façon de témoigner sa reconnaissance. Rolling Stone m’a permis de faire mes débuts et, à bien des égards, m’a façonnée.
Lesquelles de vos séances photo récentes sont vos préférés ?
J’ai beaucoup aimé celles avec Sam Shepard et Greg Louganis.
La photo de Louganis a-t-elle été prise sous l’eau ?
Oui. J’avais déjà essayé la photographie sous-marine pour une série de poèmes du magazine Life, mais ça n’avait pas marché. Cette fois, j’ai utilisé un véritable aquarium d’Hollywood. La forme plongeante de Greg est magnifique. Je voulais capturer cela, non pas en tant que photographe de sport, mais pour illustrer sa grâce. Sous l’eau, la pose est devenue élégante, presque dansante. C’était un aquarium MGM, et j’ai photographié de l’extérieur ; on aurait dit un aquarium géant.
Avez-vous prévu cette échelle en arrière-plan ?
Pas exactement. Il était juste là, en entrant dans le réservoir, mais j’aimais bien son aspect, alors je l’ai gardé. On avait aussi des problèmes de filtration et d’aquarelle, alors on a ajouté un gel magenta. Ça donne un côté Art nouveau.
Et Bruce Springsteen, l’avez-vous déjà photographié ?
Oui, il y a cette image de la pochette d’un album. Elle correspond parfaitement à l’ambiance de sa chanson « I’m on Fire ». J’avais envie de retravailler avec le feu.
Cela me rappelle votre photo de Patti Smith.
Exactement. Personne ne se souvient de la photo de Patti, alors je me suis dit qu’il valait mieux la revoir. Elles sont assez similaires, et je compte les imprimer côte à côte.
Springsteen n’a-t-il pas écrit cette chanson de Patti Smith ?
Oui, mais c’est son tube. Les photos sont très différentes. Celles de Patti sont plus brutes, poétiques, tourmentées.
La photo de Jeremy Irons a-t-elle été prise en Angleterre ?
Oui, dans son jardin. Je l’avais déjà photographié pour le Vogue britannique. Il adore les photographes et est très attentif à son image. Il y a une certaine distance entre lui et l’objectif. J’ai voulu le photographier à travers un miroir, mais nous n’avons jamais trouvé la bonne configuration. Malgré tout, la photo que nous avons obtenue en dit long sur lui.
Vous dites que vous êtes plus à l’aise maintenant en présentant simplement les gens tels qu’ils sont ?
Oui. Avant, j’essayais d’exagérer certains aspects d’une personne pour les mettre en valeur dans une mise en page de magazine. Maintenant, j’essaie simplement de les présenter avec sincérité. Parfois, un petit geste, comme la posture de Redford, en dit long. J’apprécie beaucoup la photographie en studio maintenant : les gens entrent et s’offrent à l’objectif.
Comment est née votre récente exposition (de 1984) ?
Tout a commencé à New York, puis j’ai parcouru le pays. Je voulais un ensemble de tirages, un véritable corpus d’œuvres. L’exposition sera finalement donnée sous forme de coffret à un musée. C’est amusant, comme une tournée rock. Toutes les six semaines, je me rends dans une autre ville pour la voir.
Quelle photo s’est le mieux vendue ?
Le portrait de John et Yoko. Il a tout : l’histoire, la forme, le romantisme, le sexe, et même l’humour. C’est le meilleur exemple de mon travail de cette époque. On ne sait pas toujours quand on réalise quelque chose d’important, mais celui-là ressort toujours.
La pose était-elle votre idée ?
Oui. Je connaissais John depuis 1970 et j’étais sur le tournage de Dakota depuis des semaines. Ils venaient de sortir ensemble l’album Double Fantasy, et j’étais attirée par son côté romantique. La pose elle-même vient de ma vie personnelle : c’est comme ça que je dors avec quelqu’un. À l’origine, ils devaient être nus tous les deux, mais Yoko a gardé ses vêtements au dernier moment. Ce contraste – elle habillée, lui nu – a renforcé le tout. John voulait vraiment qu’ils soient tous les deux sur la couverture de Rolling Stones, alors je savais qu’il fallait que ce soit puissant.
Considérez-vous la photographie de couverture différemment du travail de portrait ?
Absolument. Une couverture, c’est un autre problème. Je photographie souvent d’en haut : il s’agit d’aplatir l’image, de la rendre graphiquement fonctionnelle.
Comme la poésie : des formes différentes avec des règles différentes ?
Exactement. C’est ce que j’ai fait pour les couvertures de Vanity Fair de février et mars.
De qui aimeriez-vous entendre dire « excellent travail » ?
J’ai appris que cela doit venir de moi. Je ne crois pas toujours aux compliments des autres, alors je dois les apprécier moi-même – et c’est le plus difficile. Mais monter une exposition ou un livre me donne le recul nécessaire pour apprécier mon propre travail dans sa globalité.
Y a-t-il des photos que vous appréciez davantage maintenant que lorsque vous les avez prises ?
Absolument. Juste après une séance, j’ai tendance à ne pas aimer mes images. Je pense à tout ce que j’aurais pu faire. C’est pourquoi je photographie souvent en série : ça me donne le temps d’affiner l’idée. Je crois qu’il faut retravailler jusqu’à ce qu’il n’y ait plus d’excuse pour ne pas obtenir quelque chose de bien, du moins quelque chose de net ! (Rires)
« Annie Leibovitz – Work » est exposée au Mint Museum de Charlotte, NC (USA) jusqu’au 31 août 2025.
« Annie Leibovitz – Stream of Consciousness » est exposée à la galerie Hauser & Wirth de Monaco jusqu’au 27 septembre 2025.
