Blind Magazine : photography at first sight

À Cortona, l’effet ping-pong

Le festival Cortona on the Move, en Italie, se concentre cette année sur la légitimité et la paternité du photographe, ainsi que sur les différentes applications de la photographie en dehors des domaines des beaux-arts et du documentaire.

Cortona est une ville médiévale perchée sur les collines toscanes, le genre de ville italienne où l’on n’a jamais vu de route plate ou de coin droit. Chargée d’histoire, elle accueille depuis 2011 Cortona on the Move, un festival de photographie qui, chaque été, bouleverse la routine de la vieille ville, l’inondant d’une foule internationale et rendant l’ambiance un peu plus sauvage.

Le tournant de cette année a vu les commissaires Antonio Carloni et Arianna Rinaldo, qui avaient façonné l’identité du festival et l’avaient guidé depuis sa naissance, passer les rênes à la directrice Veronica Nicolardi et au directeur artistique Paolo Woods. Le nouveau duo a baptisé l’édition actuelle « Me, Myself and Eye », mettant l’accent sur la photographie en tant que forme de communication et mettant en avant le point de vue du photographe.

© Tomeu Coll

Paolo Woods, qui est aussi photographe, crée des œuvres conceptuelles qui sont loin d’être austères ou minimales, mais qui sont plutôt engageantes au premier abord et capables de parler à un large public. On retrouve cette ligne de pensée dans plusieurs des choix curatoriaux de cette année. « La photographie doit nous faire quelque chose », dit-il. « Elle déclenche un effet ping-pong : vous voyez l’œuvre, elle vous frappe, elle suscite des questions. Vous allez lire le texte, puis vous revenez avec une deuxième couche de conscience, et vous vous engagez avec elle d’une manière différente. Mais le premier niveau est important. Il faut que quelque chose entre, qu’il y ait un déclic à l’intérieur. »

Le Palazzo Baldelli – l’un des principaux lieux d’exposition et un labyrinthe vertical au cœur du vieux centre – est rempli de ce genre de défi ping-pong, à commencer par trois séries axées sur les photos d’identité. Les photographies de passeport post-URSS de l’Ukraine d’Alexandr Chekmenev sont sombres et révélatrices. En 1994, tous les citoyens ukrainiens ont eu un an pour remplacer leurs passeports soviétiques par des passeports ukrainiens. À l’époque, Chekmenev a reçu pour commande de photographier les personnes âgées ou malades de Lougansk qui ne pouvaient pas se rendre dans un bureau pour se faire photographier. Après avoir vu les conditions de la première dame qu’il devait photographier, il a continué gratuitement. Il portait deux appareils, l’un pour la photo d’identité et l’autre avec un objectif plus large qui lui permettait de photographier la scène autour du fond blanc tenu par les membres de la famille et les travailleurs sociaux. Ses photographies révèlent ce que la propagande soviétique a laissé derrière elle, et tout ce qui est resté en dehors des cadres des photos d’identité au moment où elles ont été prises.

© Alexandr Chekmenev

Les séries de Martina Bacigalupo et d’Alessandro Cinque, créées respectivement en Ouganda et au Pérou, répondent également aux photos des cartes d’identité, et explorent les circonstances de production dans lesquelles ces photographies révèlent des couches de dynamiques socio-économiques en jeu. « Dans le cas de Martina », dit Paolo Woods, « la partie manquante du cadre est collée sur un document utilisé par les gens d’aujourd’hui en Ouganda pour ouvrir un compte bancaire ou être reconnu à un poste de contrôle, l’autre partie est exposée à Cortona. Pour moi, c’est extraordinaire ».

En tant que visiteur, on peut continuer à monter les escaliers et assister à une rencontre entre deux archives photographiques séminales de respectivement 50 000 et 800 000 imagesd. La première du photographe Martin Parr, la seconde collectée par Lee Shulman dans The Anonymous Project. En suivant une ligne de diptyques, on peut trouver dans chacun d’eux des similitudes déconcertantes entre, d’une part, un cadre de Martin Parr – l’un des photographes vivants les plus connus de l’époque – et, d’autre part, un instantané d’un amateur anonyme.

© Martin Parr
© The Anonymous Project

Sans aucun doute une déclaration courageuse de Martin Parr, l’exposition irrévérencieuse sape l’importance de l’auctorialité, ridiculisant le culte des « maîtres sacrés » de la photographie. Elle nous rappelle également que la manière dont nous choisissons de cadrer des moments particuliers puise dans un vocabulaire visuel collectif et est rarement unique, jamais originale.

Quelle occasion, alors, est plus photographiquement sacrée qu’un mariage ? Et quoi de plus profane que l’intrusion de photographies de mariage dans un festival de photographie ? Les commissaires ont suivi une seule règle principale pour l’exposition suivante, qui présente des scènes de mariage dans différents coins du monde : les photos elles-mêmes devaient être commandées par les mariés. De l’Arabie saoudite à la Chine, de Valérie Baeriswyl en Haïti à Juan de la Cruz Megías dans le sud de l’Espagne, ces photographies de moments répétés mais imprévisibles sont d’une vérité qui dépasse ce que les participants pouvaient imaginer, révélant des fragments de culture largement invisibles pour ceux qui en font partie. « Parfois, ils me donnent l’impression d’être un prêtre, ou un juge traitant des preuves photographiques », écrit Juan de la Cruz, qui a photographié plus de 2500 mariages depuis 1979. « Pour répondre aux questions habituelles que l’on me pose, je promets que je ne vais pas la veille pour accrocher des choses aux murs. Ce n’est pas nécessaire. »

© Thomas Sauvin

Tout près de là, dans un ancien entrepôt de boucherie, l’exposition « Citoyens » de Christian Lutz confronte les visiteurs sans voix aux mouvements identitaires d’extrême droite et aux partis populistes qui montent actuellement dans toute l’Europe. Dans une série poétique et lancinante qui, à l’opposé de l’habituelle couverture médiatique dédiée, dévoile les nuances du phénomène, sa capillarité et donc les difficultés à l’encadrer et à le combattre. 

Pour se remettre des ténèbres, on peut suivre les photographies de Lucas Foglia depuis l’église de San Marco jusqu’à la forteresse de Girifalco. La série de Lucas Foglia, qui est en cours de réalisation, relate de manière évocatrice la migration annuelle des papillons Painted Lady d’Afrique du Sud vers l’Europe du Nord en traversant le bassin méditerranéen. Le voyage, à la fois physique et métaphorique, comprend des photographies de personnes qu’il rencontre en cours de route, dont certaines sont elles-mêmes des migrants. Rencontrer les photographies une à une en grimpant dans la chaleur ressemble à un pèlerinage : la propre fatigue du spectateur rappelle les voyages décrits dans les photographies.

© Christian Lutz
© Lucas Foglia

Au bout de la Via Crucis, oui, la forteresse est équipée d’un bar. Parmi les expositions présentées dans ce lieu spectaculaire situé au sommet d’une colline, qui surplombe les champs environnants, il y a celle de Stacy Kranitz, une photographe originaire du Kentucky qui a consacré sa carrière à photographier dans les Appalaches, la région la plus pauvre des États-Unis. Loin du regard d’exploitation que d’autres photographes ont porté sur cette région au fil des ans, elle ne voit aucune frontière entre elle et les circonstances brutes et bruyantes qui peuplent ses images. Presque comme une déclaration de ce type de vision, un espace souterrain avec un sol en terre battue abrite ses autoportraits, exposés sous forme de grands caissons lumineux. Comme aucun trépied et aucun minuteur ne pouvaient convenir à son style instinctif, ces images, dans lesquelles elle interagit souvent avec d’autres personnes, ont été prises par des amis travaillant sous sa direction mais aussi, comme elle le fait remarquer, grâce à leur propre créativité.

© Stacy Kranitz

Cette façon de travailler à partir du ventre d’une communauté, sans jugement et sans discrétion, se reflète dans l’immense œuvre de Jacob Holdt, la grande et audacieuse introduction que cette édition du festival a offerte au public italien et international, actuellement exposée à la station de Camucia. Danois travaillant sur le racisme aux États-Unis dans les années 1970, Holdt est sincèrement aveugle aux règles ordinaires de la photographie documentaire, qu’elles soient d’aujourd’hui ou d’hier, et c’est grâce à cela qu’il a pu faire un travail aussi franc, troublant, inédit et inégalé.

Au terme de quelques jours passés à Cortona, le fil conducteur du festival, de ses expositions et de son atmosphère récurrente devient évident : Cortona on the Move se concentre très peu sur les photographes et beaucoup sur les questions de la photographie elle-même, sur les formes qu’elle peut prendre et les façons dont elle peut être utilisée.

Le festival « Cortona on the Move » est exposé dans la ville de Cortona, en Italie, jusqu’au 2 octobre.

Photo de couverture par Jacob Holdt

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