L’exposition, inaugurée lors d’Art City Bologna et présentée jusqu’au 12 avril 2026 à la librairie L’Artière, rassemble des œuvres de Martina Bacigalupo, Angela Cappetta, Lois Conner, Kristen Joy Emack, Amy Friend, Greg Miller, Andrea Modica, Scott Offen et Cheryle St. Onge. Cette entreprise collective convoque l’expérience de la grossesse, les complexités de l’éducation des enfants et la veillée déchirante qui accompagne les êtres chers à travers la maladie, jusqu’à ce que la mort nous sépare.
Les travaux présentés transcendent les frontières de la famille nucléaire traditionnelle pour englober les familles choisies, les communautés éducatives et les liens forgés au fil du temps par le soin, le travail collaboratif et la proximité quotidienne. Ces œuvres narrent des histoires intimes vécues de l’intérieur, où la photographie renonce à la simple représentation pour devenir un instrument de relation, de présence et de responsabilité éthique.
S’inspirant des retables de la Renaissance italienne, la photographe américaine Lois Conner explore le moment éphémère où les femmes portent la vie dans leur ventre. « Quand j’avais 17 ans, ma sœur aînée Susan m’a permis de la photographier », explique-t-elle. « J’étais stupéfaite de voir comment ses veines et capillaires nouvellement proéminents définissaient son corps enceint en traçant leur chemin le long de ses bras et à travers son abdomen et ses seins. J’avais l’impression de pouvoir presque apercevoir l’enfant qui grandissait à travers sa peau translucide. »
Ce fut la genèse de son projet, réalisé avec son appareil panoramique 7×17 pour des portraits en pied. « Vers l’an 2000, je me suis retrouvée entourée de femmes — collègues, famille, amies — qui attendaient un enfant, et j’ai ressenti un besoin urgent de les photographier. Peut-être que cette urgence venait du fait de savoir que leur grossesse était limitée à environ neuf mois. Photographier une femme avant qu’elle n’accouche, un être cher avant qu’il ne disparaisse, la lumière du soleil avant qu’elle ne décline et que l’obscurité ne tombe — ce sont tous des catalyseurs et des expressions de la force vitale. »
L’œuvre poignante de Greg Miller transforme un rituel ordinaire — des enfants qui attendent le bus scolaire — en une méditation sur l’innocence, la fragilité et la résilience. Conçu au lendemain de la tragédie de Sandy Hook, son projet se déploie sur douze ans dans sa communauté du Connecticut, où l’acte de dire au revoir au bout de l’allée résonne avec une gravité sans précédent et troublante. « Il y a eu plus de 500 fusillades dans des écoles aux Etats-Unis depuis Sandy Hook », se souvient-il.
Photographiés avec un appareil 8×10, ses portraits captent les enfants au moment où ils passent de l’intimité du foyer vers le monde plus vaste, portant le poids tacite d’une anxiété nationale qui a reconfiguré le paysage de la parentalité américaine. « Comme l’histoire l’a montré, un changement durable peut prendre une génération ou plus. En attendant, les enfants se tiennent au bout de l’allée, attendant — pas seulement le bus du matin, mais que nous voyions tous leur humanité. » A la fois personnelle et universelle, son œuvre parle d’amour et de peur, des gestes quotidiens qui acquièrent une signification symbolique en période d’incertitude, et du devoir tacite de protéger la génération future.
Provenant d’albums de famille, de découvertes numériques et de trouvailles sur les marchés, les images sont réinventées par la vision artistique d’Amy Friend. « Ce travail a commencé par des conversations avec ma Nonna alors que nous parcourions de vieux albums de famille, où les souvenirs qui s’effacent révélaient comment les photographies conservent leur signification même lorsque leurs histoires sont incomplètes », précise l’artiste, originaire du Canada. Sa photographie incarne une double signification d’illumination et de naissance.
« J’ai commencé à collectionner des images vernaculaires et, en perforant les photographies à la main pour laisser passer la lumière, j’ai transformé chacune d’elles en quelque chose à la fois matériel et immatériel. Ce faisant, je considère également le geste du photographe original, sa lumière de ce moment-là, comme faisant partie d’un dialogue continu sur le temps, la mémoire et la photographie elle-même. » Les images transforment des instants en scènes éthérées où figures et paysages sont ornés de motifs lumineux, évoquant un sentiment de magie et de nostalgie.
Née de l’expérience de la maladie et du décès de sa mère, l’œuvre de la photographe américaine Cheryle St. Onge explore avec délicatesse l’évolution des rôles entre mère et fille et la recherche de traces de continuité dans le paysage qu’elles partageaient autrefois. Témoin de ses derniers instants, elle traverse le deuil par l’acte photographique. Ses images, telles des fenêtres de lumière et de silence, témoignent de l’amour, de la perte et de la transformation.
La famille émerge ainsi comme une micro-société fondée sur la confiance et la solidarité : un espace de croissance et de transformation, mais aussi une ressource essentielle pour cultiver un sentiment d’appartenance aujourd’hui. « We Are Family » contribue au dialogue international sur les nouvelles formes de communauté affective et sur le rôle de la photographie en tant que pratique éthique et participative, offrant une perspective sensible et nécessaire sur la manière dont, malgré tout, il reste possible d’avancer ensemble.
L’exposition photographique collective « We Are Family » est présentée jusqu’au 12 avril 2026 à la librairie L’Artière à Bologne.
